Con el éxito de series como Los Soprano, A dos metros bajo tierra o The wire se empezó a hablar del “estilo HBO” como una forma de hacer televisión propia de los canales por cable que no están tan pendientes de las audiencias para sobrevivir. Un estilo que al contrario que las series generalistas no busca mantener la atención del espectador bien arriba en cada corte de publicidad y que se toma su tiempo para exponer las tramas y desarrollarlas.

Resulta fácil conformarse con esta explicación para darle un sentido a la forma de ser de Treme, y sin embargo es necesario saber un poco más de su creador, David Simon, también creador y principal artífice de The Wire, para entender sus series: fue periodista del Baltimore Sun durante 12 años cubriendo noticias de crímenes. Así pues, resulta lógico ver el tono casi documental y analítico de The wire y sobre todo de esta Treme.

Tomando la vida de varios supervivientes del huracán Katrina, Simon nos relata el estado de la ciudad de Nueva Orleans después del desastre: viviendas enteras cerradas sin dar la posibilidad a sus habitantes de regresar de su exilio, gente que intenta seguir con sus negocios, que buscan a familiares desaparecidos, que no soportan ver el estado, no solo físico si no también moral en que ha quedado la ciudad o que, en la mejor tradición de la ciudad, sigue tocando con sus bandas para mantener vivo el espíritu.

Se trata de una serie que, tal y como dice Simon en esta entrevista (con algún ligero spoiler), al no haber un claro macguffin no resulta muy atractiva en un primer vistazo durante los primeros capítulos pero que, al final, cuando llega el último capitulo, te sabe a poco y quieres saber más sobre este tira y afloja entre una ciudad y unos ciudadanos a los que pone a prueba que, mientras todo vuelve a la normalidad en la medida de los posible, no les queda más remedio que seguir tocando.

Durante la primera parte de la película, que fue la que le hizo ganarse alguna estrella de más en los medidores habituales de calidad de la prensa, Pixar hizo gala de su maestría narrativa al mantenernos enganchados a la butaca mostrándonos los quehaceres diarios de un solitario y gracioso robot.

Sin embargo, es en la segunda parte cuando, una vez presentado el conflicto amoroso principal de la película, la trama se desarrolla siguiendo tintes más convencionales y nos presenta al principal villano de la función: Auto, el sistema de piloto automático de la nave que se niega a devolver a los últimos seres humano a la Tierra y que cuenta con un diseño estético que nos recuerda a HAL, el ojo rojo amenazante y sin párpados que se rebelaba contra la tripulación en 2001: Odisea en el espacio.

Sin embargo las referencias más explícitas no acaban aquí. ¿Hoy en día quién podría mirar un ojo como el citado anteriormente o a un gorila utilizando un palo y no tararear, aunque sea mentalmente, la archifamosa canción de 2001? Nadie, ¿verdad? Pues los encargados de Wall-E tampoco, y por si la evidente similitud entre Auto y HAL no fuese suficiente ellos se encargan de remarcarnos la cita con el tema clásico de Richard Strauss . Pero cuidado, no en un momento cualquiera de la película, no. Lo hacen en un momento que bien podría ser continuación de la historia kubrick-clarkiana.

La trama mas importante de 2001 es aquella que trata de dar un motivo a la evolución del ser humano: desde el primer acto de la película la presencia del monolito es la que nos indica que, gracias a él, nuestra forma de vida dará un paso adelante. El tiempo transcurrido entre paso y paso, por supuesto, es de millones de años, y dicho lapso de tiempo se muestra en la película a través de una elipsis de sobra conocida por todo el mundo: en un momento dado, el mono, que ha aprendido a utilizar un hueso como herramienta, lo lanza hacia el aire para convertirse, a través de un corte, en nave espacial. Al igual que el ser humano ha evolucionado, sus herramientas también lo han hecho pasando de ser un hueso en la prehistoria a una nave espacial en el futuro. El problema viene cuando esa herramienta antaño bajo control se descontrola y se vuelve contra el hombre. Es decir: el problema surge cuando aparece HAL.

Y cuando aparece Auto también, claro. Gracias al sistema de inteligencia artificial de la nave construido por científicos en la Tierra, los seres humanos que residen en ella no tienen ninguna labor de la que preocuparse. Mientras ellos viven tumbados delante de un permanente monitor, los robots son los encargados del mantenimiento de la nave, y de la supervivencia de la raza. Su autonomía ha llegado a desarrollarse hasta el punto de tomar decisiones vitales por si mismos, negándose en este caso a querer regresar a la Tierra. Es entonces cuando el capitán de la nave, en una suerte de resurrección espiritual del Dave de 2001, consigue volver a ponerse de pie sobre sus dos piernas, revelarse contra Auto, tomar el control de la nave y dominar, al fin, la herramienta de nuevo, con la música de 2001 sonando triunfante.

El problema viene cuando quieres que otro imite el mismo trabajo que ha hecho otro sin que trate de innovar en ningún aspecto. Treyarch hizo lo que pudo y un poco más con CoD World at War. Ese poco más se tradujo en un modo Zombie que suponía lo más innovador de un juego que, tras la refrescante ambientación moderna de la entrega anterior, regresaba a una exhasperante  y repititiva II Guerra Mundial.

Con Black Ops los chicos de Treyarch parece que por fin consiguen realizar un juego a la altura de las dos entregas de Infinity Ward, pero finalmente el juego no deja de ser un shooter de pasillo unidireccional en el que no cabe más que avanzar y matar para poder ver pequeñas escenas descafeinadas que no sobresalen lo más mínimo. En definitiva, mientras que Modern Warfare 2 fue polémico por incluir un nivel en que el protagonista tiroteaba a transeúntes civiles de un aeropuerto formando parte de un comando terrorista, Black Ops quiere serlo ofreciendo matar a un falso Fidel Castro de un tiro en la cabeza.

Lo curioso de ella es que no parece muy interesada en gustar  excesivamente al público objetivo al que va dirigida. Toda la película es un continuo homenaje al imaginario cinematográfico enmarcado en el western que los cinéfilos de pro dentro de la sala agradecerán más que sus hijos. Y es que a pesar de contar con varios set pieces -espectaculares por otra parte- puede que no consiga acaparar la atención de los más pequeños a lo largo de la hora y media que dura la película. En cualquier caso, cualquier intento de adaptarse al momento cinematográfico que vivimos no servirá más que para intentar camuflar, en vano, el verdadero espíritu de la película. El espíritu del Oeste.